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Kalamkari – an Indian tradition of creating life-like images on fabrics

Kalamkari or Qalamkari is an exquisite ancient craft of painted and printed fabrics. that includes both hand painting as well as block printing with vegetable dyes. Kalamkari originated in Andhra Pradesh from two different sources, but both being practised in their individualistic and distinctive styles. Kalamkari art has evolved over the last 3000 years and the name is derived from the Persian ‘drawing with a pen’.

Over time this came to include a more recent fine art - hand block printing.

There are two styles in India. It has evolved in two villages in Andhra Pradesh- Srikalahasti, 80 miles north of Chennai near Tirupati and Masulipatnam, 200 miles east of Hyderabad. Both centers have a distinct style of Kalamkari.
The Srikalahasthi style is based on themes of religious hangings, temple engravings, scrolls, deities, scenes from epics etc. based on the influence of Hindu rulers of the Malla dynasty. The Machilipatnam style that has Islam influence of the Mughals has evolved with themes of flora, fauna and nature.
Entirely hand worked it is supposed to have come from the observance of an ancient tradition wherein groups of singers, musicians and painters, called ‘chitrakattis’, used to move from village to village narrating stories from Hindu mythology. Their narration was accompanied by illustrations of their accounts using large bolts of canvas painted on the spot using dyes extracted from plants.
Using Natural dyes mostly, hand block printing is used for the printing of the fabric and the pen used for the finer details and inner filling of colours.
  • The initial weaving of the fabric completed, is when the Kalamkari process takes over.
  • The cotton fabric is immersed in a fine mix of myrobalan ( a resin) and cow’s milk to provide the adhesion of colours.
  • By soaking it for an hour a unique gloss is achieved. It is after this that the finer lines and details are drawn with a bamboo stick styled like a pen soaked in fermented jiggery and water.
  • After this the vegetable dyes are applied. The application of each colour done, the fabric is washed.
  • The fabric is washed a number of times to see that the colours have adhered and do not spread.
  • For extra colouring effects substances like cow dung, seeds, crushed flowers and plants are also used.
  • The richness of the colours and the use of natural dyes has slowly given way to lesser vibrancy on account of the use of chemical dyes which are easily and abundantly available.
  • The Machilipatnam Kalamkari developed as an art form that found its peak during the rule of the wealthy Golconda sultanate, Hyderabad, in the Middle Ages. The Mughals who patronized this craft in the Coromandel and Golconda province called the practitioners of this craft "qualamkars", from which the term "kalamkari" evolved.
  • The themes tend to be floral and decorative with subjects chosen from nature and its objects. Bed sheets, curtains, sarees, wall hangings etc. are some of the textile products displaying this form.
  • Kalamkari paintings assumed popularity at one time as a currency form worldwide. It seems spices such as pepper, cloves, nuts in addition to special woods, oils and jackets were exchanged in several parts of Southeast Asia and Indonesia for specific wall-hangings and prominent art-works, like a barter system.
  • In the 17th century, Kalamkari paintings were exported to Iran, Burma, the Persian Gulf, Maldives and Malacca. A motif known as the 'Tree of Life' was very popular and seen on dresses, skirts and jackets and large wall hangings. In the 18th century the British took a liking for it as a decorative element for clothing and gave it the much needed encouragement that it needed.
  • Some recent applications of the Kalamkari technique have been to depict Buddha and Buddhist art forms.
  • The beginnings of Kalamkari probably rest in South India and grew out of the need to illustrate some of the temple rituals. The temples commissioned large religious themed cloths. It is also true that with the advent of carbon dating, we are continually finding evidence of very old Indian textiles excavated in places like Fostat in Egypt, and Mohenjodaro and Harappa now in Pakistan.
  • A number of heirloom cloths, which are quite old, have been discovered in Indonesia. A good number of these cloths came from the west of India, from Gujarat and Surat. Many of the cloths were block printed, some were painted cloths and there is also some evidence of Kalamkari as we know it.
  • Some of the Pichhwais (Cloth back Drops of Shrines) of Rajasthan and Gujarat are Kalamkari. Basically these are painted cloths used as decorations for the shrines of Krishna in his appearance as Srinathji in Rajasthan. They are of a wide range of techniques depending upon where they are made.
  • There was another variation worth noting in the region of Thanjavur where the family of the ruler or Raja wore Kalamkari that was executed on cloth having a woven golden brocade motif. This type is known as `Karrupur' but has since disappeared. Large quantities of these cloths were produced and traded to Europe. At the same time these were also taken to Indonesia, Thailand and Japan often with particular motifs to suit the demands of these areas. One of the better known motifs is the Tree of Life found in many ‘Palampore’ (bedcover) that were sent both to Europe and Indonesia. And there was a constant trade with Persia for cloth that showed a marked Muslim influence. These later cloth came from Masulipatnam which was under the rulers of Golconda, a Muslim kingdom. Persian craftsmen worked there to oversee their production.
  • With Independence came a new interest in the traditional crafts of India. The All India Handicrafts Board set out to revive many of these crafts. There were only one or two families at Sri Kalahasti who were producing Kalamkari and at Masulipatnam the printing blocks lay hidden away unused. Slowly there was a steady effort to bring this craft back to both places by setting up training centers and creating new markets.
  • The actual Kalamkari technique is very complicated and time consuming. In some cases it takes several days to produce a cloth and in others several weeks. And the quality of the pieces depends upon many factors, not the least of which is the quality of the water used and the availability of local minerals to be used as mordants. This has a lot to do with why Kalamkari was centered in these two locations.
    A Kalamkari expert gives a detailed explanation of the process showing that there were 12 steps employed at Masulipatnam (this after the cloth has been woven) and 17 steps at Sri Kalahasti. These steps involve many washings, the use of mordants, wax, milk, dyes, bleaching with goat or buffalo dung, etc.
    Kalamkari was known for the richness of color and the use of natural dyes. But as time went on some of the natural dyes were replaced by chemical ones. This is especially true in the case of indigo, which has largely been abandoned and the chemical used produces a much lighter color. From all accounts a few craftsmen are still using indigo.
    In the Sri Kalahasti style of Kalamkari they use 2 different Kalams(Pens). One has a pointed sharp tip and is used for the outlines and the other is round and flat and is used for filling in the colors. Halfway up the kalam there is a dye reservoir made of hair or sometimes felt that holds the dye materials.
  • Simplicity, yet richness in colors, no shading
  • Round Faces, Long and Big Eyes, Stout Characters
  • Use of curvy motifs for decoration
  • Dominance of colors like Green, Red, Black, Yellow and Blue
  • भारत में दो शैलियाँ हैं। यह आंध्र प्रदेश के दो गाँवों में विकसित हुआ है- श्रीकालाहस्ती, तिरुपति के पास चेन्नई से 80 मील उत्तर में और हैदराबाद से 200 मील पूर्व में मसूलीपट्टनम। दोनों केंद्रों की कलामकारी की एक अलग शैली है।
    श्रीकालहस्ती शैली मल्ल वंश के हिंदू शासकों के प्रभाव के आधार पर धार्मिक हैंगिंग, मंदिर उत्कीर्णन, स्क्रॉल, देवता, महाकाव्यों के दृश्य आदि पर आधारित है। मुगलों का इस्लाम प्रभाव रखने वाली मछलीपट्टनम शैली वनस्पतियों, जीवों और प्रकृति के विषयों के साथ विकसित हुई है। 
    पूरी तरह से काम किया माना जाता है कि यह एक प्राचीन परंपरा के पालन से आया है जिसमें गायक, संगीतकार और चित्रकारों के समूह, जिन्हें 'चित्रकत्ती' कहा जाता था, हिंदू पौराणिक कथाओं की कहानियों से गाँव-गाँव जाते थे। उनका वर्णन पौधों से निकाले गए रंगों का उपयोग करके, कैनवास के बड़े बोल्ट का उपयोग करके उनके खातों के चित्रण के साथ किया गया था।
    ज्यादातर प्राकृतिक रंगों का उपयोग करते हुए, हाथ की छपाई का उपयोग कपड़े की छपाई के लिए किया जाता है और महीन विवरण और रंगों की आंतरिक भरने के लिए उपयोग की जाने वाली कलम का उपयोग किया जाता है।
  • कपड़े की प्रारंभिक बुनाई पूरी हो जाती है, जब कलामकारी प्रक्रिया शुरू होती है।
  • सूती कपड़े को रंगों के आसंजन प्रदान करने के लिए मैरोबलन (एक राल) और गाय के दूध के एक अच्छे मिश्रण में डुबोया जाता है।
  • एक घंटे तक इसे भिगोने से एक अद्वितीय चमक प्राप्त होती है। यह इसके बाद है कि महीन रेखाओं और विवरणों को एक बांस की छड़ी के साथ खींचा जाता है, जिसे किण्वित गुड़ और पानी में भिगोए गए कलम की तरह स्टाइल किया जाता है।
  • इसके बाद वनस्पति रंजक लगाए जाते हैं। प्रत्येक किए गए रंग का आवेदन, कपड़े धोया जाता है।
  • कपड़े को कई बार धोया जाता है यह देखने के लिए कि रंगों ने पालन किया है और फैल नहीं रहा है।
  • अतिरिक्त रंग प्रभाव के लिए गोबर, बीज, कुचल फूल और पौधों जैसे पदार्थों का भी उपयोग किया जाता है।
  • रंगों की समृद्धि और प्राकृतिक रंगों के उपयोग ने रासायनिक रंगों के उपयोग के कारण धीरे-धीरे जीवंतता को कम करने का मार्ग दिया है जो आसानी से और प्रचुर मात्रा में उपलब्ध हैं।
  • मछलीपट्टनम कलामकारी एक कला के रूप में विकसित हुई, जिसने मध्य युग में हैदराबाद के धनी गोलकोंडा सल्तनत के शासन के दौरान अपना चरम पाया। कोरोमंडल और गोलकोंडा प्रांत में इस शिल्प का संरक्षण करने वाले मुगलों ने इस शिल्प के चिकित्सकों को "क्वालकामर्स" कहा था, जिससे "कलमकारी" शब्द विकसित हुआ।
  • विषय प्रकृति और उसकी वस्तुओं से चुने गए विषयों के साथ पुष्प और सजावटी होते हैं। बेड शीट, पर्दे, साड़ी, वॉल हैंगिंग आदि कुछ वस्त्र उत्पाद हैं जो इस रूप को प्रदर्शित करते हैं।
  • कलमकारी चित्रों ने एक समय में दुनिया भर में मुद्रा के रूप में लोकप्रियता हासिल की। ऐसा लगता है कि काली मिर्च, लौंग, विशेष लकड़ी के अलावा नट, तेल और जैकेट जैसे मसालों का आदान-प्रदान दक्षिणपूर्व एशिया और इंडोनेशिया के कई हिस्सों में विशिष्ट दीवार-झूलों और प्रमुख कला-कृतियों के लिए होता है, जैसे वस्तु विनिमय प्रणाली।
  • 17 वीं शताब्दी में, कलमकारी चित्रों को ईरान, बर्मा, फारस की खाड़ी, मालदीव और मलक्का को निर्यात किया गया था। 'ट्री ऑफ लाइफ' के रूप में जाना जाने वाला एक रूपांकन बहुत लोकप्रिय था और कपड़े, स्कर्ट और जैकेट और बड़ी दीवार पर लटका हुआ था। 18 वीं शताब्दी में अंग्रेजों ने कपड़ों के लिए एक सजावटी तत्व के रूप में इसे पसंद किया और इसे इतना आवश्यक प्रोत्साहन दिया कि इसकी आवश्यकता थी।
  • कलामकारी तकनीक के कुछ हालिया अनुप्रयोग बुद्ध और बौद्ध कला रूपों को चित्रित करते हैं।
  • कलमकारी की शुरुआत संभवत: दक्षिण भारत में हुई और मंदिर के कुछ अनुष्ठानों को चित्रित करने की आवश्यकता से बाहर हो गई। मंदिरों में बड़े धार्मिक थीम वाले कपड़े थे। यह भी सच है कि कार्बन डेटिंग के आगमन के साथ, हम मिस्र में फोस्टाट और मोहनजोदड़ो और हड़प्पा जैसे स्थानों पर खुदाई किए गए बहुत पुराने भारतीय वस्त्रों के लगातार प्रमाण पा रहे
  • हैं।
  • इंडोनेशिया में कई हिरलूम कपड़े, जो काफी पुराने हैं, की खोज की गई है। इन कपड़ों की एक अच्छी संख्या भारत के पश्चिम से गुजरात और सूरत से आई थी। बहुत से कपड़े ब्लॉक किए गए थे, कुछ पेंट किए गए कपड़े थे और कलामकारी के कुछ सबूत भी हैं जैसा कि हम जानते हैं।
  • राजस्थान और गुजरात की कुछ पिच्छियाँ (कपड़े के पीछे के हिस्से)। मूल रूप से ये राजस्थान के श्रीनाथजी के रूप में कृष्ण के मंदिरों के लिए सजावट के रूप में इस्तेमाल किए गए कपड़े हैं। वे तकनीक की एक विस्तृत श्रृंखला पर निर्भर करते हैं जहां वे बनाये जाते हैं।
  • तंजावुर के क्षेत्र में ध्यान देने योग्य एक और भिन्नता थी जहां शासक या राजा के परिवार ने कलामकारी पहनी थी जिसे कपड़े पर बुना हुआ गोल्डन ब्रोकेड मोटिफ था। इस प्रकार को `कर्पूर 'के रूप में जाना जाता है, लेकिन तब से गायब हो गया है। इन कपड़ों का बड़ी मात्रा में उत्पादन और कारोबार यूरोप में किया जाता था। उसी समय इन्हें इंडोनेशिया, थाईलैंड और जापान में भी ले जाया जाता था, जहां अक्सर इन क्षेत्रों की मांगों के अनुरूप विशेष रूपांकनों को रखा जाता था। बेहतर ज्ञात रूपांकनों में से एक ट्री ऑफ लाइफ है जो कई 'पालमपोर' (बेडकवर) में पाया जाता है जो यूरोप और इंडोनेशिया दोनों में भेजे गए थे। और कपड़े के लिए फारस के साथ एक निरंतर व्यापार था जिसने एक चिह्नित मुस्लिम प्रभाव दिखाया। बाद में ये कपड़ा मसूलीपट्टनम से आया जो कि मुस्लिम साम्राज्य गोलकोंडा के शासकों के अधीन था। फ़ारसी शिल्पकारों ने उनके उत्पादन की देखरेख के लिए वहां काम किया।
  • स्वतंत्रता के साथ भारत के पारंपरिक शिल्प में एक नई रुचि आई। इनमें से कई शिल्पों को पुनर्जीवित करने के लिए अखिल भारतीय हस्तशिल्प बोर्ड की स्थापना की गई। श्री कालाहस्ती में केवल एक या दो परिवार थे जो कलामकारी का उत्पादन कर रहे थे और मसुलीपट्टनम में मुद्रण खंड अप्रयुक्त छिपाए हुए थे। धीरे-धीरे प्रशिक्षण केंद्र स्थापित करने और नए बाजार बनाने के द्वारा इस शिल्प को दोनों स्थानों पर वापस लाने का एक स्थिर प्रयास किया गया।
  • वास्तविक कलमकारी तकनीक बहुत जटिल और समय लेने वाली है। कुछ मामलों में एक कपड़े का उत्पादन करने में कई दिन लगते हैं और कुछ हफ्तों में। और टुकड़ों की गुणवत्ता कई कारकों पर निर्भर करती है, जिनमें से कम से कम उपयोग किए जाने वाले पानी की गुणवत्ता और स्थानीय खनिजों की उपलब्धता के रूप में इस्तेमाल किया जाता है। इससे बहुत कुछ होता है कि कलामकारी इन दो स्थानों पर केंद्रित क्यों थे।
    एक कलमकारी विशेषज्ञ इस प्रक्रिया का विस्तृत विवरण देता है, जिसमें बताया गया है कि मसुलिपत्तनम में 12 चरण कार्यरत थे (कपड़ा बुना जाने के बाद) और श्री कालाहस्ती में 17 कदम। इन चरणों में कई धोने, मोम, दूध, रंजक, बकरी या भैंस के गोबर के साथ विरंजन, आदि का उपयोग शामिल है।
     कलामकारी रंग की समृद्धि और प्राकृतिक रंगों के उपयोग के लिए जाना जाता था। लेकिन समय के साथ-साथ कुछ प्राकृतिक रंगों को रासायनिक तत्वों द्वारा बदल दिया गया। यह विशेष रूप से इंडिगो के मामले में सच है, जिसे काफी हद तक छोड़ दिया गया है और इस्तेमाल किया जाने वाला रसायन बहुत हल्का रंग पैदा करता है। सभी खातों से कुछ कारीगर अभी भी इंडिगो का उपयोग कर रहे हैं।
    कलमकारी के श्री कलहस्ती शैली में वे 2 अलग-अलग कलाम (पेन) का उपयोग करते हैं। एक में नुकीली नुकीली नोक होती है और इसका इस्तेमाल आउटलाइन के लिए किया जाता है और दूसरा गोल और सपाट होता है और इसका इस्तेमाल रंगों में भरने के लिए किया जाता है। कलमा के आधे हिस्से में बालों से बना एक डाई का भंडार है या कभी-कभी ऐसा लगता है कि डाई सामग्री रखती है।
  • रंगों में सादगी, फिर भी समृद्धि, कोई छायांकन नहीं है
  • गोल चेहरे, लंबी और बड़ी आँखें,
  • सजावट के लिए सुडौल रूपांकनों का उपयोग
  • हरा, लाल, काला, पीला और नीला जैसे रंगों का प्रभुत्व
  • A Class Apart – Ikat of Pochampally

    Pochampally also known as Bhoodan Pochampally is a mandal or cluster of 80 villages in Nalagonda district of Telangana. Popular for its special Pochampalli brand of sarees its specialty is its fabrics of Pochampally Ikat tie and dye.

    Incidentally when Sant Vinobha Bhave visited it in 1951, it was here that the idea of the Bhoodan movement or voluntary donation of land germinated - the movement that engulfed the whole of India, radically altered society’s thinking and wrought a lot of benefit to thousands of poor farmers across the nation.

    The cluster formation of Pochampally came about along similar lines where families got together as a collective to create a tradition of finely woven, aesthetically pleasing sarees that would enthrall the market while sustaining the collective. Pochampally has about 10,000 families solely involved in the making of the unique Pochampally saree. Pochampally has been in the tentative list of world heritage sites as part of ‘iconic saree weaving clusters of India’.

    - Yarn threads that are to be woven are applied bindings (anything that can prevent dye seeping in like rubber) in pre-determined patterns. They are then dyed to the desired color. These threads are then woven to produce the desired pattern within the weave.

    - When there are several colors involved, dyeing has to be repeated with the bindings in the required places each time till all the chosen colors are completed. This is the tie and dye method according to the ikkat style.

    Within the ikkat style of dyeing are methods of single-ikkat and double-ikkat.
    Single ikkat has two variants
    • warp ikkat where the warp threads are dyed after applying resists according to pattern on the warp threads. After that, only, is the weaving done.
    • In the weft ikkat it is the weft threads which are coloured by applying resists before the dyeing and then weaving is done. In either case the dyeing is done prior to the weaving so carefully that the pattern emerges as the weave progresses.
    • In the double ikkat method both the warp and weft threads are dyed before weaving.

    How do ikat designs appear on the fabric?

    The specialty of ikat lies in the dark and light thread designs formed on handloom fabrics, from a calculated and complex tie & dye colouring process that sets of patterns as soon as the weaving takes place.
    • Patterns drawn on paper or borne in mind, take shape through the complex routine of tying resists on colour preventing areas on the warp or weft threads (single ikat) and both (double ikat) and then dyeing the fabric.
    • Removal of the resists after drying causes the resist or un-dyed areas to become the light portions in the ikat patterns and the dyed areas the dark portions. Thus the design is formed as light and dark thread patterns across the fabric as an integral part of it.
    • Time-consuming, elaborate preparations of resist tying with precise calculation of areas where the patterns have to appear on the fabric, the resulting outcomes are new-look and captivating. Bigger the area, more the time and effort consumed, it is the dedicated effort of a few traditional hubs that weave such magical creations.
    The painstaking efforts of the weavers in maintaining the purity of dyeing and weaving, including the control and placement of threads during the weave contribute largely to the accomplishing of the desired complex weave patterns and pleasing appearance of the sarees.
    • Colours that are employed for the dyeing of threads are fast and well-chosen. This is prime to the outcomes of the Pochampally sarees displaying an extraordinary ethnic skill that is hard to match.
    • Current trends bring about Pochampally handloom sarees with ethnic patterns, shiny zari borders and designer pallus with stylish designs and colourful prints.
    No wonder it has become a talking point at all exclusive events be it weddings, grand functions, important festivals or even corporate wear.

    While one can see many online websites with ikkat Pochampally sarees being offered, what matters essentially while online shopping for Pochampally sarees online is the genuineness of the product, the type of ikkat and the price that is asked for it. Unnati Silks online and its offline stores at Hyderabad, provide exquisite products of Pochampally with images, prices and other details. You get traditional Pochampally silk cotton ikkat sarees as well as contemporary versions. Here are a few examples:

    Pochampally cotton sarees - There are two special features that are notable. The stripes pattern design on the pallus between which there are floral patterns in double ikkat weaving. The main saree has attractive motifs in ikkat prints or ikkat weaving and borders with patola weaving. Colours chosen are bright and vibrant hues.

    Pochampally silk sarees - The silk versions of the Pochampally have an enviable range and variety. You have grand versions of Pochampally silk cotton sarees with lots of silk and zari in the dual and multi color checks pattern, there are elegant pallus with grand ganga jamuna borders, pure pochampally dupion raw silks with a lot of vibrancy and eye-catching zari borders, excellent combinations in silk cotton pattus that are a feast for the eyes. In fact the tie & dye that is more suited for cotton comes out very well in these silk cotton versions as well.

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    सूत के धागे जो बुने जाते हैं, उन्हें पूर्व-निर्धारित पैटर्न में बाइंडिंग (रबर की तरह डाई रिसने से रोक सकता है) लगाया जाता है। फिर उन्हें वांछित रंग में रंगा जाता है। इन थ्रेड्स को तब बुनाई के भीतर वांछित पैटर्न का उत्पादन करने के लिए बुना जाता है।

    जब कई रंग शामिल होते हैं, तो रंगाई को हर बार आवश्यक स्थानों पर बाइंडिंग के साथ दोहराया जाना होता है जब तक कि सभी चुने हुए रंग पूरे नहीं हो जाते। यह इकत शैली के अनुसार टाई और डाई विधि है।

    रंग की ikkat शैली के भीतर एकल-ikkat और डबल-ikkat के तरीके हैं।
    सिंगल इकत के दो संस्करण हैं:
    • ताना ikkat जहां ताना धागे पर पैटर्न के अनुसार resists लागू करने के बाद ताना धागे रंगे हैं। उसके बाद, केवल, बुनाई की जाती है।
    • निराई ikkat में यह रंग के धागे होते हैं जो रंगाई से पहले रेज़िस्टेन्स लगाकर रंगीन होते हैं और फिर बुनाई की जाती है। या तो मामले में रंगाई बुनाई से पहले इतनी सावधानी से की जाती है कि जैसे ही बुनाई आगे बढ़ती है, पैटर्न उभर कर आता है।
    • डबल ikkat विधि में बुनाई से पहले ताना और बाने धागे दोनों रंगे जाते हैं।

    कैसे करें ikat डिजाइन कपड़े परदिखाई देते हैं?

    इकत की खासियत है कि एक गणना और जटिल टाई और डाई रंग की प्रक्रिया से हथकरघा के कपड़े पर बने अंधेरे और हल्के धागे के डिजाइन में, जो बुनाई होते ही पैटर्न सेट करते हैं।

    कागज पर या पैटर्न को ध्यान में रखते हुए, ताना या बाने के धागे (एकल ikat) और दोनों (डबल ikat) पर रंग रोकने वाले क्षेत्रों और फिर कपड़े को रंगाने वाले रेजिन को बांधने की जटिल दिनचर्या के माध्यम से आकार लेते हैं।

    सुखाने के बाद रेज़िस्टेन्स को हटाने से विरोध या अन-डाइड क्षेत्रों को इकत पैटर्न और गहरे रंग के क्षेत्रों में हल्के हिस्से बनने का कारण बनता है। इस प्रकार यह डिज़ाइन हल्के और गहरे रंग के धागों के पैटर्न के रूप में कपड़े के एक अभिन्न अंग के रूप में बनता है।

    समय लेने वाली, विस्तृत रूप से उन क्षेत्रों की सटीक गणना के साथ बांधने की तैयारी, जहां पैटर्न कपड़े पर दिखाई देते हैं, परिणामी परिणाम नए-रूप और लुभावना होते हैं। क्षेत्र बड़ा है, अधिक समय और प्रयास का उपभोग किया जाता है, यह कुछ पारंपरिक हब के लिए समर्पित प्रयास है जो इस तरह की जादुई कृतियों को बुनते हैं।

    बुनाई के दौरान धागे के नियंत्रण और प्लेसमेंट सहित रंगाई और बुनाई की शुद्धता को बनाए रखने में बुनकरों के श्रमसाध्य प्रयासों में वांछित जटिल बुनाई पैटर्न और साड़ियों की मनभावन उपस्थिति को पूरा करने में योगदान होता है। इसके अलावा:
    • धागे की रंगाई के लिए लगाए जाने वाले रंग तेज और अच्छी तरह से चुने जाते हैं। यह पोचमपल्ली साड़ियों के परिणामों के लिए प्रमुख है जो एक असाधारण जातीय कौशल दिखाते हैं जो कि मैच करना मुश्किल है।
    • वर्तमान रुझानों में पोचमपल्ली हैंडलूम साड़ियों के साथ जातीय पैटर्न, चमकदार जरी बॉर्डर और स्टाइलिश डिजाइन और रंगीन प्रिंट के साथ डिजाइनर पल्लू हैं।
      कोई आश्चर्य नहीं कि यह सभी विशेष आयोजनों में एक टॉकिंग प्वाइंट बन गया है, यह शादियों, भव्य समारोह, महत्वपूर्ण त्योहार या यहां तक कि कॉर्पोरेट पहनना भी है।

    जबकि एक ikkat Pochampally साड़ी के साथ कई ऑनलाइन वेबसाइटें देख सकता है, जो अनिवार्य रूप से मायने रखता है, जबकि Pochampally साड़ियों के लिए ऑनलाइन खरीदारी उत्पाद की वास्तविकता, ikkat का प्रकार और इसके लिए मांगी जाने वाली कीमत है। Unnati Silks ऑनलाइन और हैदराबाद में इसके ऑफ़लाइन स्टोर, छवियों, कीमतों और अन्य विवरणों के साथ पोचमपल्ली के उत्तम उत्पाद प्रदान करते हैं। आपको पारंपरिक पोचमपल्ली रेशम कपास ikkat साड़ी के साथ-साथ समकालीन संस्करण भी मिलते हैं। यहां कुछ उदाहरण दिए गए हैं:

    पोचमपल्ली कपास साड़ी - दो विशेष विशेषताएं हैं जो उल्लेखनीय हैं। पट्टियों पर स्ट्राइप्स पैटर्न का डिज़ाइन जिसके बीच डबल इकत बुनाई में पुष्प पैटर्न हैं। मुख्य साड़ी में ikkat प्रिंट या ikkat बुनाई और patola बुनाई के साथ सीमाओं में आकर्षक रूपांकनों हैं। चुने गए रंग उज्ज्वल और जीवंत रंग हैं।

    पोचमपल्ली सिल्क साड़ीपोचमपल्ली के रेशम -संस्करणों में एक गहरी रेंज और विविधता है। आपके पास दोहरी और बहु रंग जांच पैटर्न में रेशम और जरी के बहुत से पोचमपल्ली रेशम सूती साड़ियों के भव्य संस्करण हैं, भव्य गंगा जमुना बॉर्डर के साथ सुरुचिपूर्ण पल्लू हैं, बहुत जीवंतता और आंखों को पकड़ने वाली जरी बॉर्डर के साथ शुद्ध पॉचमपैली दुपट्टा कच्ची साड़ी हैं। , रेशम कॉटन पट्टस में उत्कृष्ट संयोजन जो आंखों के लिए एक दावत है। वास्तव में, टाई और डाई जो कपास के लिए अधिक अनुकूल है, इन रेशम कपास संस्करणों में भी बहुत अच्छी तरह से निकलती है।

    एक हैदराबाद या Pochampally थोक में निर्माताओं से 1000 रुपये से नीचे की व्यापारीकृत सूती साड़ियों को खरीदने के लिए खोज कर सकते हैं। यहां तक कि एपी सहकारी स्टोरों से भी इकत पोचमपल्ली साड़ी खरीदने की कोशिश की जा सकती है, जिसमें पोचमपल्ली आधी साड़ियों, दुल्हन की पहनने वाली साड़ियों, आकर्षक इकत सिल्क और सूती साड़ियों के साथ आकर्षक कीमतों के साथ ऑनलाइन थोक का चयन किया जा सकता है।